12個高級電影剪輯技巧，你知道多少？Oliver Peters是一名獨立的視頻/電影剪輯師，調色師，后期制作總監以及咨詢師。自從1970年開始，Oliver Peters已經從事于音頻，視頻以及電影業。曾多次獲得獎項，包括國內外的各種獎項。這篇文章摘自他的個人博客，希望對大家的剪輯有所幫助。

12個高級電影剪輯技巧，你知道多少？

1、剪輯要緊湊

-最好的方法是編輯緊張的場景，但不要剪得太短。

這意味著需要剪輯掉演員對話中不必要的停頓?？s短每句中間的空白部分，甚至可以減去冗長不重要的對話。不過在剪去對話前，請先征求導演的意見。通常來說，我的方法是一開始就剪輯出精確的版本，而非剪出較長的電影再縮減。大部分電影觀眾的注意力一般不超過90分鐘，相當于一般電影的長度。如果初剪完后電影長度大約100分鐘，那你基本上還需繼續剪到90分鐘使電影更緊湊。但如果初剪完后電影長達兩個小時甚至更長，那就需要“動大手術”了。

2、臨時音樂

很多編輯喜歡用臨時背景音樂編輯電影，用臨時音樂作為占位符。

在此，我提出兩個不提倡這種做法的理由。

第一，人一旦喜歡上了臨時音樂，就很難找到合適的感覺不錯的配樂。

第二，臨時演唱會會成為你的“精神支柱”。

當無趣的場景配上有趣的音樂時，你會更加寬容。我更愿意剪輯出有力的電影場面并通過適當編輯使它完美呈現。如果一個場景可以自己站得住腳，那配樂會錦上添花。唯一的例外是蒙太奇鏡頭的音樂設置。因此，我在剪輯時候可以做的更好。

3、不要使用法網剪輯方法。

最初的法網電視連續劇使用特定對話剪輯方式：聲音與畫面完全同步，不存在重疊部分。常用的方法是：剪A畫面—A講完對白—剪B畫面—B講完—剪回A畫面，就這樣一直輪流剪輯下去。剪輯大師沃爾特·默奇（Walter Murch）將這種剪輯方法命名為法網風格剪輯法。但事實上，觀眾對與聲音和畫面剪輯不重合的反應更好。這種音畫分離的剪輯方法稱為split edits, L-cuts 或 J-cuts.我認為這種剪輯方法更貼近現實生活，我們先是聽到有人開始說話，然后才抬頭去看。或者一個人正在說話，我們會看看我們的朋友的反應。這種剪輯方法更貼近人的自然反應，會使影片更加流暢。

4、動作配合

-使用演員手勢、道具、視線或行走是剪輯方式之一。

但沃爾特·默奇說，最好的方式是讓情緒自然流露，或者剪出流暢的敘事節奏，技術上的剪輯反而是最不需要考慮的。但也絕不可忽略，因為動作不相配會讓觀眾難以入戲。然而一個編輯朋友經常告訴我，“過分注重匹配會束縛剪輯”。如果觀眾能完全入戲，那他們常常會忽略那些鏡頭存在的不連續問題。剪輯的職責就是盡量使觀眾融入劇情之中。

杜琪峰在《死亡之金》中經常使用視線編輯

5、移動拍攝鏡頭

-動鏡頭是拍攝動作片的主要方式，可以是軌道相機、旋臂相機、相機穩定器或手持相機。

動作電影通常要呈現出緊張的氛圍。當我剪輯電影時，我喜歡在鏡頭運動時作剪輯，保證一個接一個的鏡頭都處于運動狀態，但許多導演兵不同意，他們更喜歡在攝影機開始移動前或停止移動后才剪輯。但我更喜歡緊湊的剪輯方式，讓觀眾目不暇接。

6、不要一直用同一個角度進行剪輯

——如果導演從不同角度拍了很多鏡頭，不要一直機械地切回同一個角度，或者重讀前不久用過的同一個系列的鏡位。

當然，在一個對話場景中只有兩個角度，難以避免重復剪輯，但是如果導演根據不同需要不同鏡頭框架進行拍攝，那不妨通過剪輯體現導演的意圖。不要被剪輯規則束縛，比如主鏡頭/單鏡頭/反轉，主鏡頭/單鏡頭/反轉等等?？梢試L試混搭一下。

7、鏡頭三個一組

-需要切換場景的時候，一般是三人一組。至少1.5到2秒，甚至更長。

比如在主角進入房間環顧四周的場景中，三人一組編輯視點鏡頭，可以在視覺上向觀眾展示主角看到的整個場景，模仿我們的真實世界，讓觀眾身臨其境。

8、重點剪輯演員的眼睛

——演員在電視、電影、舞臺上用臉來吸引眼球，但最重要的還是演員的眼睛。

剪輯激烈的對話場景時，我總是注意演員的眼神。它們是否傳達了恰當的情感？你對劇中的演員有什么反應？演員的表演決定了我的剪輯。這個原則讓我更專注于傳達對話的主要演員，切斷其他人的反應。

9、排除演員表演中的“空氣”

和第一點類似，我喜歡緊湊的剪輯。

注意大部分演員都是夸大其詞，超出了應有的水平。演員會強調停頓，犯比劇本要求更多的錯誤，結巴更多，掃視時間更長，但剪輯的職責是通過適當的剪輯將表演恢復正常。剪掉冗長的動作和對話，讓影片真實不做作。

10、形成故事情節

據說世界上有三種電影:劇本型、拍攝型和剪輯型。

無論編輯哪種類型，都要非常注意故事的脈絡，不要害怕改變劇本或者拍攝內容，只要讓它有意義就行。許多編輯使用屏幕上的腳本分割來直觀地記錄故事。這可以幫助你決定用最流暢的邏輯向觀眾呈現故事。

11、利用數字輔助設備

-現代非編和整理技術等數字媒體為制作者提供了許多輔助工具。

比如數字圖像可以放大很多倍。您可以使用這些工具來縮放攝影師以放大鏡頭來拍攝大范圍的場景或特寫鏡頭，如果您使用35mm膠片的紅色數碼相機，這很容易做到。只要圖像質量有保證，就不用怕放大。

很多編輯經常討論使用多屏編輯。通常是指兩個演員的作息時間與預設不符(比如過肩拍或者雙特寫)，但是可以編輯合適的場景節奏來減緩兩個演員之間的時間。如果相機被鎖定，演員動作的重疊部分不太復雜，可以用更簡單的方法制作一個新的OTS鏡頭。產生一種兩個演員在表演時機上有偏差的視覺效果。

▲雙鏡頭在20世紀30年代的美國電影中相當普遍，剛進入有聲電影時期的相機也相當笨重。在對話場景中使用雙鏡頭大大減少了移動鏡頭的需要，但現在已經成為構圖上的需要，畫面取自電影《愛到底》。

12、做自己的選擇但也要考慮其他人

——作為編輯的職責是形成故事，把握電影的節奏。

最重要的一點是幫助導演達到創造性的視覺效果。但是你也要有自己的想法。大部分剪輯師都是獨立完成初剪。這是你在電影打上鮮明的個人烙印的第一個機會。當初剪完成后，導演會和剪輯師通力合作把剪輯變成導演想要的版本。

你在剪輯和改變一個演員的表演時所做的選擇影響了觀眾看電影的感覺。比如把對話中重復的部分剪掉，可以增強畫面的張力。

這傳達了一個觀點，即使拍完，剪輯工作也不應該被忽視。編輯的決定很容易改變場景傳達的感情，所以任何決定都必須服從劇情。

當然，只有有邏輯上的原因，導演同意，你才能做這樣的剪輯，如果你不同意，你應該提供替代方案。

我喜歡在選擇最好的場景前回顧一下取景鏡頭。起初，導演也許從四個鏡頭中標記了第三個和第四個為取景范圍，我實際上可能開始用第一個鏡頭，接著用第四個鏡頭的后半段。在反復簡介演員對話對白時，我經常剪掉包含很少取景鏡頭的過場場景。雖然你已經想好解釋你所做剪輯的理由，但也要準備好應對改變。大部分導演不會在后期制作時回顧每一個取景鏡頭，而是根據你剪輯表演的版本進行修改，無論是否欣賞演員的表演。如果他們的確欣賞某一演員的不同的表演，他們會建議修改剪輯或從取景鏡頭找到合適部分。剪輯的場景越讓人感覺煥然一新并呈現出最令人信服的表演，導演就會越認同你的技術。

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